De tien meest inspirerende kunstverhalen gepubliceerd op AnOther in 2025

In januari was de opening van een grote tentoonstelling gewijd aan het leven en werk van Peter Hujar een van de meest ontroerende en meest besproken tentoonstellingen die Londen dit jaar heeft gezien. Als een van de meest invloedrijke figuren in de fotografie van de 20e eeuw is Hujar vooral bekend vanwege zijn intieme documentatie van de metro-explosie in New York City in de jaren zeventig en tachtig: queerkunstenaars, dichters en artiesten die met onverschrokken tederheid werden gefotografeerd op het hoogtepunt van de aids-epidemie. De tentoonstelling, gepresenteerd op elke verdieping van Raven Row, een galerie gehuisvest in een voormalig Victoriaans herenhuis in Spitalfields, schetste de breedte van zijn praktijk, van portretten en waterstudies tot latere straat- en architectuurfotografie, en omvatte, ongelooflijk, afbeeldingen van Hujar op zijn sterfbed, gemaakt door David Wojnarowicz. Bij de opening modereerde Will Ferreira Dyke een fascinerend gesprek tussen biograaf John Douglas Millar en Hujars vriend en drukker Gary Schneider, die sprak over de ongrijpbare man achter de camera.

In mei sprak AnOther met fotograaf Ethan James Green over de galerie die hij opende boven zijn studio in Chinatown. De gevierde beeldenmaker, die zijn carrière als model begon, lanceerde New York Life Gallery in een rustige periode in 2022, nadat hij zich na jaren van toegewijd werk enigszins afgewezen voelde door de mode-industrie. Een deel van de magie achter Greens curatoriële aanpak is dat hij voortborduurt op zijn persoonlijke smaak, met eerdere tentoonstellingen zoals Steven Cuffie’s intieme portretten van vrouwen uit Baltimore, Daniel Arnolds adrenaline-pompende shots van de straten van New York, en een groepsshow ter ere van opkomende schilders die op Instagram zijn ontdekt. “Ik ben altijd behoorlijk direct en bekrompen geweest in mijn werk”, zei Green destijds. “Het openen van de galerie heeft me aan het denken gezet en enthousiast gemaakt over het onbekende. Ik hou van fotografie, maar nu ben ik net zo verliefd op het hebben van een galerie.”

De buitengewone schoonheid van de schilderijen van Louise Giovanelli heeft de kunstenaar uit Manchester de afgelopen jaren steeds meer erkenning opgeleverd, met haar gordijnschilderijen in de White Cube en de Hepworth Wakefield. Vorige maand sprak Violet Conroy met Giovanelli toen ze haar al lang bestaande interesse in het gordijn – en de link ervan met performance en de sluier – naar een veel grotere schaal bracht, door de 300 jaar oude St Mary le Strand in het centrum van Londen te bedekken met een glinsterende zilveren installatie. “Ik ben gefascineerd door moderne vormen van toewijding en aanbidding”, zei ze. “Als we bijvoorbeeld naar een popconcert gaan en naar een iconische popster kijken in een oogverblindende, sprankelende jurk… hebben we de drang om te streven, naar iets te kijken en te wijzen op iets dat we groter achten dan wijzelf.”

Tijdens een zomer in Connecticut in 1949 liet Susan Weil haar partner, Robert Rauschenberg, kennismaken met het maken van cyanotypes, een blauwgekleurd fotografisch proces dat ze van haar familie had geleerd. Elke dag plaatste het echtpaar vellen lichtgevoelig papier in de zon, waarbij ze voorwerpen en lichamen erop plaatsten om zachte, spookachtige afdrukken achter te laten. Vorige maand herbeleefde Emily Dinsdale deze periode van gedeelde experimenten met de publicatie van een nieuw boek, met daarin Weils openhartige citaten uit een interview met Lou Stoppard. Nu, in de tachtig, denkt Weil na over hoe vrouwelijke kunstenaars destijds werden behandeld. “Ik vond het niet erg om met Bob samen te werken, omdat we het gewoon deden vanwege de schoonheid en de verrassing, maar het kan me schelen hoe mensen er later naar zullen kijken”, zei hij. “Ik heb er een hekel aan als het gaat om ‘Bob’s Blueprints’. Ik ben daar nauwelijks bij betrokken, terwijl alles van mij komt.”

Het gesprek van Alayo Akinkugbe met visionair kunstenaar Steve McQueen was een van de krachtigste interviews die deze zomer op AnOther zijn gepubliceerd. Om de opening van hun meeslepende, kleurverzadigde installatie Bass in Basel te vieren, sprak het tweetal over de waarde van ruimtes die pauze en reflectie mogelijk maken in een wereld van constante overbelasting. ‘Ik voelde een overweldigend gevoel van kalmte in je installatie, Bass,’ zei Akinkugbe. “Het verankerde me in het huidige moment en zorgde ervoor dat ik naar binnen keerde. Was dit iets dat je via dit werk wilde onderzoeken?” Waarop McQueen antwoordde: “Ja, het hier en nu. Het gaat niet over gisteren of de toekomst. In jezelf zijn, bij jezelf: vaak zijn er geen ruimtes of omgevingen die je dat geven.”

Aan het begin van het jaar wilde Sadie Coles iets anders proberen. Geïnspireerd door een golf van underground kunstevenementen in Londen lanceerde de galerist Gargle met de jonge curator Sam Will, een maandelijkse spoken word-serie die in samenwerking met een wisselende reeks uitgevers en collectieven in de Kingly Street-galerij wordt gehouden. Met optredens, poëzie en lezingen trokken de levendige avonden een steeds groter publiek, met onder meer de overname van Climax Books, James Massiah’s Adult Entertainment en het dansmagazine Motor. “Het is als galerie belangrijk dat er een gevoel van vernieuwing heerst en dat het niet alleen een plek is voor één generatie”, vertelt Coles. “Ik heb het gevoel dat het me iets heel tastbaars en speciaals geeft. Het was een geweldige dinsdag in de Gargle, luisterend naar al deze getalenteerde stemmen en interactie met een jong publiek. Ik was letterlijk dertig jaar ouder dan wie dan ook in die zaal. Het was echt een geweldig gevoel.”

Toen Barbara Kruger in juli een grote overzichtstentoonstelling opende in het Guggenheim Bilbao, ontmoette Emily Steer de legendarische feministische kunstenaar voor een gesprek over de stand van zaken in de Amerikaanse politiek en de rol van kunst daarin. Door het museum te vullen met zijn zorgvuldig ontworpen werken, waaronder het wijdverspreide stuk Your Body Is a Battleground uit 1989, lijkt de reizende show, zo schrijft Steer, uiterst relevant in het huidige tijdperk van Trump en de intrekking van het abortusrecht. Sprekend over de omverwerping van Roe v. Wade zei Kruger: “Het feit dat mensen geschokt zijn, is zo schrijnend en het maakt me echt boos. Niemand zou hierdoor geschrokken moeten zijn. Voor het centrum en de linkerzijde hier in de Verenigde Staten was dit een zelf toegebrachte wond omdat ze in een luchtbel zaten en niet begrepen wat er om hen heen aan het ontstaan ​​was. Elke keer dat mensen om een ​​revolutie riepen, dacht ik: ‘Er is een revolutie gaande en die staat niet aan jouw kant! Word wakker.’”

In oktober interviewde Emily Steer Hans Ulrich Obrist, de productieve schrijver en artistiek directeur van de Serpentine Gallery, terwijl hij zijn memoires Life in Progress publiceerde. Hij vertelde hoe een bijna-doodervaring in zijn kindertijd een eindeloos verlangen aanwakkerde om kunstenaars te begrijpen, terwijl hij inspiratie vindt in de woorden van de filosoof Roman Krznaric en zijn rol als curator ziet als het ‘creëren van verbindingen’ tussen objecten, mensen en ideeën.

Voor de herfst/winter 2025-uitgave van AnOther Magazine sprak Sophie Bew met de formidabele Marina Abramović over haar beslissing om terug te keren naar haar video Balkan Erotic Epic uit 2005, twintig jaar nadat ze die voor het eerst had gemaakt. Het werk, opnieuw vormgegeven als een vier uur durende meeslepende performance in de Aviva Studios in Manchester, had meer dan 75 deelnemers en putte uit de rauwe kracht van de Slavische folklore, waarmee Abramović’s levenslange onderzoek naar het lichaam als communicatiekanaal werd voortgezet. “Volgend jaar word ik 80, en het is zo belangrijk om over seks en erotiek te praten, omdat vrouwen na de menopauze niet meer aan het bestaan ​​denken”, zei ze. “Erotische energie is essentieel, vooral in een tijd van vernietiging, geweld, oorlog en politieke chaos. Seksuele energie is de enige energie die we in ons lichaam dragen. Het is de energie van reproductie en menselijk bestaan.”

Je kent de naam Paul Thek misschien niet, maar misschien herken je zijn gezicht van de foto’s van Peter Hujar (vooral als je Raven Row in januari bezocht). De twee waren geliefden in de jaren zeventig en ontmoetten elkaar voor het eerst tijdens een reis naar Key West, Florida, in 1956, toen ze allebei begin twintig waren. Thek’s werk, op zichzelf een radicale visionair, werd tijdens zijn leven grotendeels over het hoofd gezien en kreeg pas de laatste jaren bredere erkenning. Een van zijn meest uitgesproken supporters is de modeontwerper Jonathan Anderson, die in juni een tentoonstelling van Thek’s rauwe, expressieve schilderijen cureerde in de Thomas Dane Gallery. Om de inauguratie te vieren nodigde Will Ferreira Dyke een groep schrijvers, academici en kunstenaars uit – waaronder Kenny Schachter, Lynne Tillman en Andrew Durbin, de biograaf van Thek – om na te denken over zijn blijvende nalatenschap. “Op dit moment denk ik aan een zin uit een schilderij uit 1988, een van zijn laatste werken, gemaakt toen hij stervende was: ‘Laten we, zolang er nog tijd is, naar buiten gaan en alles voelen.'” zei Durbin. “Die woorden weerspiegelen zijn houding als kunstenaar. Hij was zich terdege bewust van de grenzen die aan ieder menselijk leven werden gesteld en zocht altijd naar ervaring.”